Koktélreceptek, szeszes italok és helyi bárok

Ez az új művészeti kiállítás lehetővé teszi, hogy megkóstolja a festményeket

Ez az új művészeti kiállítás lehetővé teszi, hogy megkóstolja a festményeket

Ezek a srácok mind az öt érzékszervet felhasználva alkotnak, de mi van, ha a festménynek több sóra van szüksége?

Elsősorban vizuálisan tapasztaljuk meg a művészetet. Az alkalmi modern művészeti kiállítás lehetővé teszi számunkra, hogy különböző installációkat halljunk és érintsünk, de mi lenne, ha mind a öt érzékszervünkkel, köztük az ízleléssel is megtapasztalhatnánk a művészetet? Ezt a kérdést tette fel Tate Britain, egy londoni művészeti múzeum, amely egy új tárlat premierjét mutatja be Tate Sensorium, nyitás ez év őszén. Ez lehetővé teszi, hogy láthassa, hallhassa, megérintse, szagolja és még kóstolja is a kiállításokat.

A kiállítások pontos jellegét titokban tartják, de ha csendéletfestményeket nyalogató embereket képzelünk el, és az alma és a banán ízével érkezünk, (sajnos) kételkedünk abban, hogy ez így lenne. Helyette, a kvarc szerintA múzeum új interaktív technológiát használ annak felmérésére, hogyan változik a művészetre adott reakciónk, amikor különböző érzékeink aktiválódnak.

„Mindez kissé kísérleti jellegű, de a tudósokat is nagyon érdekli a részvétel, mert valójában sok mérést fogunk végezni, hogy az emberek hogyan reagálnak mindenre” - mondta Tom Pursey, a Flying Object, a kiállítás, mondta a Kvarc. "És művészi szempontból… ha értelmes módon kiegészíthetjük a vizuális élményt ezzel a másik négy érzékkel, akkor talán megváltoztathatjuk a művészet iránti véleményét."

A kiállítás új tanulmányokkal párhuzamosan működik, amelyek azt sugallják, hogy egyik érzékünk sem működik elszigetelten. Az éttermek is figyelembe veszik ezt a kutatást: Heston Blumenthal's A kövér kacsa, például, az egyik ételt iPoddal kínálja az élmény fokozására.


Mitchell Johnson művész festményeit a Pamela Walsh Galériában mutatják be

Mitchell Johnson, a Menlo Parkban élő művész a “ fő kiállításnak írja le, és#8221 a Palolato-i Pamela Walsh Galéria bemutatja Színkontinuum: Válogatott művek 1988-2021 május 15. és június 26. között. A nyitófogadás május 15 -én, szombaton 16: 00-18: 00 között van. A Galéria a Ramona St. 540 címen található.

“Sok korábbi kisebb festmény is építi a nagy festményekhez való hozzáférés kontextusát - magyarázza Mitchell. “Néhányat magángyűjteményekből kölcsönöztek. Néhányan múzeumba mennek. És néhány eladó. ”

Mitchell festőképző évei Parsonsban alakultak, ahol 1990 -ben megkapta az MFA -t. Akkoriban Parsons még mindig tele volt Hans Hofmann korábbi tanítványaival: Paul Resika, Larry Rivers, Jane Freilicher, Leland Bell, Neil Blaine és Robert DeNiro, idősebb New York termékeny talaj volt egy fiatal festő számára, és Mitchell mindezektől a művészektől tanult.

Parsons, a New York -i múzeumok és Frank Stella és Sol LeWitt kis munkái között Mitchell elkezdte fejleszteni művészi gyakorlatát, és festőként találta meg hangját. Korai munkái a pusztán absztrakt kompozícióktól és figuráktól az európai hagyományokban átitatott reprezentatív tájakig terjednek.

1990 őszén Mitchell élete drámaian megváltozott, amikor felajánlották Sam Francis stúdió asszisztensi állását a Palo Altóban. Elhagyta New Yorkot a nyugati partra, és felfedezte Kalifornia csábító fényét. A díszletváltás azonnal megmutatkozott munkásságán. A 90 -es években Mitchell Kalifornia expresszionista, festői tájairól és Európa bukolikus jeleneteiről vált ismertté.

A kétezres évek elején Mitchell munkássága újabb különös változáson ment keresztül, ahogy kompozíciói váltak
desztilláltabb és absztraktabb. Folyamatosan hangsúlyozza a vízválasztó pillanatot, amikor meglátogatta a 2005 -ös Josef Albers -kiállítást a bolognai Giorgio Morandi Múzeumban, amely kikristályosította azokat a koncepciókat, amelyekkel már saját munkái során kísérletezett.

Brenda Danilowitz, az Albers Alapítvány fő kurátora foglalta össze a legjobban: „[Mitchell] felismerte, hogy valami figyelemre méltó dolog történt, amikor ez a két valószínűtlen társ a művészetben szembefordult egymással. Ez az eredmény visszhangzik Johnson elmúlt két évtized munkásságában: a pontosan és aprólékosan elrendezett szín és forma megdöbbentő és gyengéd módon játssza le egymást. ” Mint művész, akit már izgattak a színekben és formákban rejlő lehetőségek, tartós inspirációt talált e művészek egymás mellé helyezésében, akik mindketten mesterek voltak.

Nagy, geometrikus formákat és lapos színterekbe kezdett belekeveredni New York és San Francisco városképébe, majd később Cape Cod tengerparti tájaiba. Az ismerős nézeteket állványként használva megvizsgálta a színkörnyezet - a változatosság és az egyik színárnyalat a másikhoz való viszonya - és a forma összefüggése közötti kölcsönhatást.

Ma egy nagy, fénnyel teli stúdióban dolgozik, amely lehetővé teszi számára, hogy elmélyítse a színek természetes fényben való feltárását és nagyméretű vásznakon dolgozzon. Legújabb festményei a Cape Cod, New York, Kalifornia, Európa fényes, merész, reprezentatív képei és színes, geometrikus absztrakciók.

“A 345 Stocktonból, és#8221 2021 20 吘 hüvelyk olaj/vászon. A festmény 2021 -ben készült. Kép ​​a Pamela Walsh Galéria jóvoltából Mitchell Johnson fotója a művész jóvoltából


Művészet (New Horizons)

A műalkotások olyan festmények és szobrok, amelyek megvásárolhatók Jolly Redd Kincselvonójától, és a múzeumnak adományozhatók, feltéve, hogy nem hamisítják őket. Ha az első darabot a múzeumnak adományozza, a Blathers kibővítheti a múzeumot, ami egy napos építkezést igényel.

Ban ben New Horizons, az eredeti és a hamisított darabok máshogy néznek ki, lehetővé téve a játékos számára, hogy vásárlás előtt azonosítsa őket. 14 darab van, amely mindig eredeti, de a többségnek hamisított változata van.

Időnként a férfi falusiak postázhatnak egy lakónak egy műalkotást. Jock és Lazy falusiak bármilyen műalkotást küldhetnek, ami lehet valódi vagy hamis. Az őrült falusiak szobrokat küldhetnek, amelyek lehetnek valódiak vagy hamisak. Az önelégült falusiak csak hamis darabokat küldenek a játékosnak. Ώ ] Női falusiak, személyiségtől függetlenül, nem küldenek művészetet a játékosnak.

A kovácsolt műalkotásokat nem lehet eladni a Nook’s Cranny -ben, és vagy el kell adni egy falusinak, vagy kidobni a kukába, hogy megszabaduljanak tőle.

Jolly Redd Kincselvonójában négy tér található a művészet számára, amelyek mindegyike különböző típusú művészetek megjelenítését teszi lehetővé. A bal hátsó nyílás bármilyen festményt tartalmazhat, a bal első nyílás kis festményeket, a hátsó középső nyílás pedig kis festményeket vagy kis szobrokat, a jobb hátsó nyílás pedig bármilyen műalkotást. Mivel ez az egyetlen nyílás, amely nagy szobrokat tartalmazhat, ezek lényegesen ritkábbak, mint más műalkotások.

Minden alkalommal, amikor Redd meglátogatja, 20% esély van arra, hogy a játékos múzeumának nem adományozott műalkotás ívásra kényszerüljön.


Ez az új művészeti kiállítás lehetővé teszi, hogy megkóstolja a festményeket - receptek

A Sacramento -i Crocker Művészeti Múzeum néhány látogatója egyszerűen nem tud segíteni, amikor szembesül a zamatos, lekerekített lepénysorokkal. Látták, hogy ujjak söpörték az impasto habcsókot, így most egy észrevehetetlen plexi réteg védi az ikonikus 1961 -es festményt Pite, Pite, Pite neves és szeretett művész, Wayne Thiebaud, aki a közelben él.

A festmény egyike annak a 100 Thiebaud -műnek, amelyet a Crocker a Thiebaud ’ -es születésnapjának 100. születésnapját jelző kiállításon a hónap elején összegyűjtött. Ha személyesen látja a festményt, akkor a cukormáz “ob rím ” lesz az igazi Thiebaud szó szerint felkorbácsolja az olajfestéket, mint a fagyot. Szeretné megérinteni a lepényeket, ” - mondja Scott Shields, a múzeum társigazgatója és főgondnoka. “Azok tapinthatóak és ízletesek. ”

A piték a Thiebaud ’s életművét képviselik évtizedes munkája során, mindenféle desszertet festett, valamint tájakat, utcaképeket, portrékat és bohócokat. Ő ismert a hétköznapi tárgyak nosztalgikus, komoly ábrázolásáról, gyakran száraz eszével. Munkái a Smithsonian, valamint a MOMA, a Whitney, az SF MOMA és a Los Angeles County Museum of Art és mások gyűjteményeiben találhatók. “A kereskedelmi sikerek ellenére Thiebaud folyamatosan feszegeti a határokat, ”-mondja Virginia Mecklenburg, a Smithsonian American Art Museum 20. századi művészetének vezető kurátora.

/> Wayne Thiebaud, Görögdinnye és kés, 1989. Pasztell papíron. (Crocker Művészeti Múzeum, a művész családjának ajándéka, 1995.9.30. Wayne Thiebaud, Csokornyakkendő, 1993. Színes litográfia, kézzel pasztelllel megmunkálva. (Crocker Művészeti Múzeum, a művész családjának ajándéka, 1995.9.38. Boston Cremes, 1962. Olaj, vászon. (Crocker Művészeti Múzeum vásárlása, 1964.22.

A múlt héten a Crocker határozatlan ideig bezárt a Covid-19 járvány miatt bevezetett közegészségügyi korlátozások miatt. A Thiebaud ’ minden finomsága édesen várja a falakat. Sajnálatos, mert ahogy a pékségbe bemenni, hogy belélegezze a cukor és a meleg kenyér mámorító illatát, fokozza az evés hatását, a Thiebaud ’s habcsók v érit é személyes megtekintése olyan élményt nyújt, amelyet megismételhet kétdimenziós nyomtatás. Időközben azonban a Crocker lehetővé teszi az online látogatók számára, hogy böngészhessenek a kiállítás minden képén, és felajánlotta a Shields virtuális túráját a YouTube -on.

Thiebaud maga látta a kiállítást néhány nappal a kiállítás megnyitója előtt, október közepén. “Bejött és megáldotta, ” mondja Shields. “Mi mindannyian megígértük, hogy 20 láb távolságra leszünk tőle. Egy interjúban azt mondja a neki továbbított több mint 500 születésnapi kártyáról és levélről: “Rettenetesen sokat kaptunk belőlük. Nagyon hálás voltam az embereknek, akik ezt tették. Sosem érzem úgy, hogy megérdemlem. ”

És hogyan töltötte századik születésnapját? “ Pizsamában és fürdőköpenyben maradtam, és nem tettem semmit, kivéve, ha kedves telefonhívásokat kaptam az emberektől. ”

100 éves korában Thiebaud aktív marad, hetente többször teniszezik. “Ez ’ meglehetősen lassú tenisz, de élvezzük, ” mondja. “Küldünk egy csomó más öreg társat, és párosokat játszunk. Kint az úton látja az autókat, amelyek az általa tervezett különleges rendszámtáblával vannak ellátva, amely a Csendes -óceánon lenyugvó napot mutatja, a part mentén pálmafákkal. Az eladások 1993 óta 25 millió dollárt gyűjtöttek a Kaliforniai Művészeti Tanácsnak. Thiebaud nevet, amikor megkérdezik, hogy az autója sportolja -e a tányért. “Nem, ” mondja. “I ’d zavarban lennék. ”

Rendszámtábla Thiebaud művével. (A California Arts Council jóvoltából)

A legfontosabb, hogy szinte minden nap fest. “A legtöbb komoly festő állandóan fest. Annyit kell festeni, hogy kevés legyen, ” - mondja.

“A festészet nagyon -nagyon nehéz dolog, és szerencsénk van abban, hogy a történelem során a festők közösségében lehettünk. Természetesen ők varázslók és csodálatos munkások. ”

1962 -ben a New York -i galériatulajdonos, Allan Stone önálló műsorral indította el a Thiebaud's karrierjét, és míg Thiebaud -ra gyakran úgy gondolnak, mint a 󈨀 -as évek Pop Art mozgalmának, desszertmunkája megelőzte ezt. “Wayne elsősorban festőművész, de bár kifogásolja, hogy a Pop Art mozgalomhoz kapcsolódnak, ő is a földszinten volt, hogy elindítsa azt - mondja Mecklenburg. Ő volt az első Pop Art kiállításon, és az ő munkája határozta meg sok tekintetben a mozgalmat, mert a mindennapi élet hétköznapi tárgyait ünnepelte. ”

Thiebaud Sacramento stúdiójában 1987 -ben. (Matt Bult) Wayne Thiebaud őrmester festmény egy B-29-es repülőgépen Kaliforniában 1944-ben (Wayne Thiebaud papers, 1944-2001. Archives of American Art, Smithsonian Institution) Thiebaud vázlatok az Archives of American Art gyűjteményében. (Wayne Thiebaud papers, 1944-2001. Archives of American Art, Smithsonian Institution)

Thiebaud elutasítja, hogy popművésznek minősítsék, mert formalista - magyarázza Shields, a geometria és a forma megszállott művészeti stílusa. Például híres gumball gépei körként működnek egy nagyobb, átlátszó körön belül. És míg Andy Warhol és mások tömegesen készítették munkáikat, Thiebaud minden darabon fáradozott, és a keze látszott mindegyiken. Még az objektumok közötti teret is figyelembe veszi:

Miután édesszájúan vágott a desszerteken, Thiebaud a 󈨊 -es években San Francisco utcai nézeteire költözött, Richard Diebenkorn művészbarát és hasonló utcaképek hatására. Ezek a darabok intenzív függőlegességet közvetítenek, meredek utcák tekercsként bontakoznak ki. Például a perspektíva Utca és árnyék 1982-83, 1996, Shields szerint “ lehetetlen, és mégis lehetségesnek érzi magát. ”

A Crocker-kiállítás egyéb munkái közé tartoznak a csendéleteknek tűnő portrék, amelyek inkább embereket, mint gyümölcsöket mutatnak be, és a Sacramento-delta tájképei, amelyek nézőpontból játszanak, például oldalról és felülről látható fákat is bevonnak ugyanabban a műben.

Wayne Thiebaud, Utca és árnyék, 1982 és#82111983/1996. Olaj lenvászonra. (Crocker Művészeti Múzeum, a művész családjának ajándéka, 1996.3. © 2020 Wayne Thiebaud / A VAGA engedélye, az Artists Rights Society (ARS), NY) Wayne Thiebaud, Park Place, 1995. Színes maratás, akvarell, gouache, színes ceruza, grafit és pasztell kézzel. (Crocker Művészeti Múzeum, a művész családjának ajándéka, 1995.9.50. Valley Farm, 1993. Puha színű maratás és aquatinta kézi munkával színes ceruzával. (Crocker Művészeti Múzeum, a művész családjának ajándéka, 1995.9.51.

Tehetsége korán nyilvánvaló volt, amikor Dél -Kaliforniában nőtt fel, és a Utah Disney 16 évesen bérelte karikaturistaként. Elvetted a rajzaidat, és ha azt gondolták, hogy ésszerűen jó vagy, akkor köztes ember leszel, és azt mondja, ez a munka magában foglalja ugyanazt a képet egy fénytáblán újra és újra, csak a végtagok vagy az arc megváltoztatása kifejezéseket. Azért rúgták ki, mert munkássztrájkban vett részt, és 84 évvel később múzsálja, hogy “imádom azt a szakszervezeti mozgalmat, amelyet annyian tettek Amerika érdekében. Körülbelül négy -öt sorban jártam az évek során. ”

Kereskedelmi művészként és jelfestőként is dolgozott olyan cégeknél, mint a Sears Roebuck és a Rexall Drugs. “Valaki megtanította őt, hogy magabiztosan határozzon meg egy vonalat, ” mondja Shields, utalva az uralkodó egyenes vízszintesekre, amelyek gyakran kettészelik Thiebaud munkáját. 1942-ben belépett a légierőbe, és rajzolt egy képregényt bázisának hírleveléhez, valamint plakátokat tervezett, erkölcsteremtő filmeket készített és így tovább. 1951 és 1976 között festészetet tanított a Sacramento City College -ban és a Davis -i Kaliforniai Egyetemen, amely szerinte “ rendkívül fontos ” volt az életében. Néhány általa mentorált diák saját hírnévre tett szert, mint Mel Ramos és Fritz Scholder. “Kereskedő művész és illusztrátor szerettem volna lenni, ezért folytattam ezt, amíg meg nem érdeklődtem az általuk képzőművészet és tanítás iránt, így az életem nagy részét úgy töltöttem, ” - mondja Thiebaud.

/> Wayne Thiebaud, Bohóc vörös hajjal, 2015. Olaj a fedélzeten, 12 1/8 x 9 in. Magángyűjtemény. (© 2020 Wayne Thiebaud / A VAGA engedélye, Artist ’s Rights Society (ARS), NY.)

2014 -től kezdve a Thiebaud ’s figyelme bohócok felé fordult, és visszatért a gyermekkori emlékekhez, amelyekre még mindig élénken emlékszik. “Amikor még gyerek voltam, körülbelül 13, 14 éves, a vonaton jártunk nézni a cirkuszt a városban, és ha szerencsénk volt, engedték, hogy segítsünk fűrészport vagy vizet szállítani az elefántoknak, és #8221 - emlékszik vissza. “Néztük a bohócokat, akik csodálatos emberek voltak. Nem csak akrobaták, cselgáncsok és bukfencek voltak, hanem a sátor felállításáért is, ezért nagyon erősek és lenyűgözőek voltak, és ez örökre megmaradt bennem. ”

“A bohócok hihetetlenül összetett dolgok, ” megjegyzi Mecklenburg. “Bozo megnevettet, amikor gyermek vagy, de alapvetően az identitás és a személyiség előadója is. Fogalmunk sincs, ki áll a mesterségesen felvitt smink és az izzó orr mögött. Például a Thiebaud és a 2017 -es festészetben Bohóc bőrönddel, egy férfi utcai ruhába öltözteti bohóc -identitását, komor gravitákkal áll, miközben bőröndje a lehető legnagyobb betűkkel sugározza a “Bozo szót. ”

Sok festménye apró, gyakran komikus elemeket tartalmaz, amelyek jutalmazzák a gondos vizsgálatot. “Szeretné alaposan megnézni a festményeket, hogy valóban megkapja, amiről szólnak, és mondja Thiebaud. “Sajnos, a múzeum szerkezete és így tovább miatt az embereknek kevés idejük van nézelődni, gyakran csak néhány másodperc, és továbbmennek, ahol a festményeket szerető emberek akár órákat is elnéznek egyetlen festmény után, és úgy bontakozik ki, mint film, mint egy mozgókép. ”

Talán ezért is folytatja Thiebaud a darabkázást. Ban ben Betty Jean Thiebaud és könyv, Thiebaud második felesége az egyik könyökére támaszkodik, látszólag unatkozik az előtte álló művészeti könyvön. De Shields szerint a könyv eredetileg nem volt ott. “Thiebaud megváltoztatja a festményeket, némelyiknek akár öt különböző dátuma is lehet. Még egy évtized alatt is csípi őket. ”

Négy dátum van Gobelin szoknya amelyen Betty Jean bonyolult mintázatú szoknyában látható: 1976, 󈨖, 󈨗, 2003 — és Shields még 2020 -ra is gondol. Betty Jean, filmrendező és tanár, aki számos Thiebaud -portréban szerepelt, 2015 -ben meghalt.

/> Wayne Thiebaud, Betty Jean Thiebaud és Könyv, 1965 és#82111969. Olajfestmény. (Crocker Művészeti Múzeum, Mr. and Mrs. Wayne Thiebaud ajándéka, 1969.21.

Amikor megkérdezem Thiebaud -t, hogy ő csinál -e valamit másképp, válaszol, és valószínűleg sok mindent. az egész ötlet az, hogy próbára tegye magát, erőltesse magát, kockáztatva akár rossz festmények, vagy olyan festmények készítését, amelyekről nem gondolja, hogy valakinek tetszeni fog. Ez személyes, csodálatos dolog, és szeretném, ha minél többen megtennék. ”

Ami a 100 darabot összegyűjtő kiállítást illeti, hogy megünnepeljék Thiebaud és#8217 -einek 100. évfordulóját, hatása vitathatatlan. “Egy személy jött be, és felhívta a festményeket, és#8216élet-megerősítő, és#8217 ” mondta Shields. “Csak úgy gondoltam, hogy ez egy jó módja annak, hogy róluk gondolkodjunk. ”

A "Wayne Thiebaud 100: festmények, nyomatok és rajzok" 2021 január 3 -ig látható a Crockerben, ezt követően Toledóba (Ohio Memphis, Tennessee San Antonio, Texas) és Chadds Fordba (Pennsylvania) utazik.


Kérjük, érintse meg a műalkotást: Az új Tate kiállítás mind az öt érzést serkenti

David Bomberg „In the Hold” c.1913-4

Kelly Crow

Milyen lehet megkóstolni egy Francis Bacon -festményt? Tipp: Semmi, mint a szalonna.

A nyugtalan, technikailag hozzáértő közönség bevonása érdekében a művészeti múzeumok egyre inkább szokatlan módszereket alkalmaznak, hogy bevonják a művészet szerelmeseit gyűjteményeikbe. A New York -i Solomon R. Guggenheim Múzeum tömegközvetítő technológiát alkalmazott a YouTube -videók bemutatójának megszervezésére. A Brooklyn Múzeum és a Performa, a New York-i performansz fesztivál, felkérte Jennifer Rubell ételművészt, hogy készítsen ehető műalkotásokat-köztük egy sejtszerű szobát, amelynek falait rózsaszín vattacukorral töltötte fel. Jelenleg a londoni Nemzeti Művészeti Galéria gyűjteménye egyes festményei által inspirált hangművészek zenéjét játssza.

Augusztus 26 -án a londoni Tate Britain továbbviszi ezeket a kísérleteket a „Tate Sensorium” kiállítással, amely Bacon, Richard Hamilton, David Bomberg és John Latham főbb brit festményeinek kvartettjét párosítja mind az öt érzékszervet stimuláló szerkentyűkkel. parfümpufferek, rejtett hangszórók, csokoládé alapú rágók és ultrahang rezgések használatával.

„Az emberek gyakran úgy gondolnak a gyűjteményekre, mint igazán régi festmények sorai - mondta Tony Guillan, Tate multimédiás producere -, de a technológia lehetővé teszi, hogy játékosabbak legyünk.”

Azokat a látogatókat, akik belépnek az első galériába, ahol Richard Hamilton 1964 -es kollázsa, a „Belső II” látható, bátorítani fogják a múzeum munkatársai, hogy nézzenek - de szippantjanak is. Hamilton kollázsa egy elegáns nőt ábrázol, aki fapadlóval és TV -vel ellátott otthonban áll. A vászon nagy darabjai azonban festetlenek maradnak, és a TV képernyőjén a Kennedy -gyilkosság látható. Hamilton befejezetlen háztartásának megerősítésére a múzeum illatdiffúzorokat helyezett körbe a szobában, amelyek olyan illatokat bocsátanak ki, amelyek a nő vintage hajlakkját, tisztítószereit és az art-studio ragasztó halvány szagát idézik.


Ossza meg ezt a történetet

Mitchell, Conley 121-111-re vezeti a Jazzt a harmadik játszma győzelméhez Memphis felett

MEMPHIS (ABC4 Sports) - Donovan Mitchell azt mondja, dolgozik vissza az All -Star szintjére.

A Utah Jazz többi tagja számára úgy néz ki, mint ő maga.

A Real Salt Lake 1-1-es döntetlennel elégedett a Minnesota United ellen

SANDY, Utah (ABC4 Sports) - Ha a múlt heti FC Dallas elleni sorsolás inkább győzelemnek tűnt, akkor a szombat esti Minnesota United elleni döntetlennek inkább vereségnek kellett lennie.

A Minnesota szerezte a játékkötő gólt, amikor a labda átcsordult a végvonalon, miután Zac MacMath kapus kiütötte a labdát Niko Hansen hátulról, és nem tudta, mivel az RSL-nek otthon 1-1-es döntetlennel meg kellett elégednie egy ponttal.

Az autós üldözés, a gyalogos üldözés egy szökevény letartóztatásához vezet Utah megyében

AMERICAN FORK, Utah (ABC4) - Az amerikai forki rendhagyó sofőrrel kapcsolatos feladóhívás két üldözéshez, a fegyverek lövöldözéséhez és egy szökevény letartóztatásához vezetett szombaton.

Az Amerikai Fork Rendőrkapitányság közlése szerint az Amerikai Fork 500 -as északkeleti 500 -as körzetébe rendőröket küldtek el lopott jármű miatt, amely jelentős károkat okoz az úton és a szembejövő forgalomban.


A modern technológia és a festmények megőrzésének művészete

Ez a második a festmények konzerválásának művészetével foglalkozó cikksorozatban. Itt olvassa el az elsőt.

Rongyos, olyan ember, aki az 1860 -as években Párizs utcáin a szemétben kotorászva kereste a rongyokat, amelyeket eladhat a papírgyártóknak. 6 láb és 4 láb közötti képét Édouard Manet festette, és ma a Norton Simon Múzeum gyűjteményének szeretett része Pasadenában, Kaliforniában. De Le Chiffonnier, vagy A Ragpicker, egy modern művészetvédelmi történetet mesél el, amely magában foglalja a kémia, a mérnöki tudomány, az anyagok, a fizika és a fény tudományát és technológiáját - valamint több ezer pamut törlőkendőt -, amelyek új megvilágításba helyezték a festményt.

A nagy probléma a nem megfelelő lakkmunka volt. Abban az időben Manet festett A Ragpicker, az volt a szokás, hogy a festményekre természetes gyantalakkot viszünk fel, hogy fényes felületet adjunk hozzá. Még az 500 éves is Mona Lisa da Vinci festékét lakkokkal vitték fel. De valahol az életében A Ragpicker, vastag szintetikus lakkot, vagy többeket is felkentek a festmény élénkítésére és vonzóbbá tételére.

A Ragpicker a kezelés előtt. © A J. Paul Getty Múzeum.

De a lakkok színeződnek az öregedéssel, és az évek során a festmény olyan ködöt öltött, amely elrejtette Manet festési technikáját a színekkel és részletekkel együtt. 2017 -ben a Norton Simon a Los Angeles -i J. Paul Getty Múzeummal dolgozott a megőrzés érdekében A Ragpicker három Manet -festményt frissítő projekt részeként. A Ragpicker legrosszabb állapotban volt. Hat hónapnyi részletes vizsgálatra lenne szükség különböző technológiák alkalmazásával, hogy felfedezzék a problémákat, és eldöntsék a festmény konzerválásának megfelelő folyamatát, majd további hat hónapot kell elvégezni a konzerválási munkák elvégzésére. Ráadásul rejtett titkokat találtak a festményen.

Devi Ormond, a Getty Múzeum festészeti konzervátora a Norton Simon és a Getty Múzeum csapatának tagja volt, akik vállalták a problémás festmény megőrzését. Hétéves korában kezdett érdeklődni a festmények felületei iránt, amikor a Louvre-i biztonsági őr azt mondta neki, hogy ne nyúljon egy Van Gogh-festményhez. Tinédzser korában lenyűgözte a Sixtus -kápolna helyreállításáról szóló dokumentumfilm, és azt gondolta: „milyen hihetetlen munka lenne ilyen szorosan dolgozni a felületekkel - és pénzt kapni érte”.

A Norton Simonnál használt első technikai eszköz egy ultraibolya (UV) fekete fényű vakuvalámpa volt, amely hasonló ahhoz, amit a bűnügyi helyszíneken használtak nyomok, például vércseppek keresésére. Nem találtak vért, de a csapat látta, hogy a felső lakk nagyon vastag, és potenciális problémákat okozhat az eredeti festékkel kapcsolatban. Ez elég bizonyíték volt a küldéshez A Ragpicker a Getty festmények konzervációs osztályához, különböző típusú világítás és tesztek alkalmazásával szakmai műszaki vizsgálatra.

/> A festékminta teszt megmutatja a lakk keveredését az eredeti festékben - a fekete pontokat - és a rétegszerkezetet. UV fényben készül, és 100 -szoros nagyítású. © A J. Paul Getty Múzeum.

„Ahogy mondani szokták, egy kép ezer szót mond” - mondta Ormond. „Valaki Franciaországban, aki nézi ezt a festményt, majd nézi az UV -képet, képes lesz nyelvi akadályok nélkül értelmezni a kérdéseket. Például UV fényben a különböző lakkok különbözőképpen fluoreszkálnak. A természetes lakkok zölden és a szintetikus lakkok kéken világítanak. Láthattuk, hogy a szintetikus lakk kék fluoreszcenciája jelent problémát. ” A festményt ezután infravörös fényben vizsgálták, amely a korábbi restaurátorok régi sérüléseinek és retusálásainak egy részét mutatta.

A következő teszt egy röntgen volt, amely segített megérteni a festményt és Manet összetételét, beleértve azokat a dolgokat is, amelyeket megváltoztatott vagy elrejtett. Például a festmény alján a csendélet eredetileg nagyobb volt, és Manet szürke-barna festékkel festette a metszeteket. A rongyszedő botja függőleges, de a röntgen azt mutatta, hogy eredetileg átlósabb szögben festették. Ezenkívül a rongyszedő arcán fekete foltok voltak, amelyek vékonyabb festéket jeleztek. Ormond szerint ez Manetre jellemző, mivel gyakran változtatott a szárított festék lekaparásával.

„Mindezek a technikák képet adnak nekünk a festmény állapotáról, ami azt jelenti, hogy nem vak, mielőtt elkezdi kezelni a festményt, hanem tájékoztatást kap a munka állapotáról” - mondta Ormond.

De mélyebbre kellett menniük, hogy megértsék és teszteljék a lakkok oldhatóságát. A festmény széléről majdnem mikroszkopikus mintát vettünk a lakkokból és festékekből, és megvizsgáltuk 500x -os felbontásban. Ez az apró minta megmutatta a lakkok és a festék rétegeit, és felfedte a lakk keveredését az eredeti festékrészecskékkel. A művészi anyagok változásával a természetük is megváltozik. Eredetileg lágy textúrájúak, de amikor a festékben lévő oldószerek megszáradnak, különböző sebességgel és szinten teszik ezt, és mikroszkopikusan (vagy több) megrepedhetnek. Ez a nyílás a lakkok mélyen a festékbe való leülepedéséhez.

A Ragpicker röntgen alatt, amely a személyzet és a csendélet változásait mutatja. © A J. Paul Getty Múzeum.

"Ez olyan, mint egy torta átvágása, látjuk a festmény minden rétegét" - mondta Ormond. "Láttuk a lakk kék fluoreszkálását és azt, hogyan kerül a festékrétegekbe, és láttuk a pigmentek részecskéit - kis fekete pöttyöket -, amelyek jelzik, hogy milyen mélyen hatoltak be a lakkok a festékbe."

A vizsgálatok alapján úgy döntöttek, hogy a lakk teljes eltávolítása az eredeti festéket és sérüléseket is eltávolítja A Ragpicker a festék/lakk kölcsönhatás miatt. A cél az volt, hogy annyira hígítsa a lakkot, hogy láthatóvá váljon az ecset munkája, töltse ki a régi sérüléseket és retusálja azokat.

Most jönnek a modern oldószerek, amelyek a festékvonásokat és az eredeti festéket elszínező és elrejtő lakkok eltávolítására szolgálnak. Ormond oldószerek kombinációinak sorozatát készítette el, és vattapálcikával végzett vizsgálatokat a felületi bevonat oldhatóságának megállapítására. Apró területeket tesztelt a festmény szélén, de a főbb részeken is a festék színeinek különböző oldhatósága és az oldószerekre adott reakciója miatt.

A festmény felső részének részlete, UV -fényben, a jobb felső sarokban hígított lakkal. © A J. Paul Getty Múzeum.

„Érdemes teszteket végezni a háttérben, a sötétebb színekben, a világosabb színekben, a kékekben, a sárgákban, a zöldekben. . . így apró, apró teszteket végez, hogy jó áttekintést kapjon ” - mondta Ormond. "Miután létrehozta az oldószert, és talált valamit, amely eltávolítja a felületbevonatot anélkül, hogy károsítaná a festékréteget, elkezdi a tisztítást kis törlőkendővel, és mártsa az oldószerbe, és nagyon óvatosan vigye fel a felületre, amíg el nem kezdi eltávolítani a lakkot."

Még a vattapálcák is tudománynak számítanak. A tampon anyaga tiszta vatta, a konzervőrök lehúznak egy darabot a tufáról, és megforgatják egy hosszú fapálca vége körül. Azáltal, hogy maguk készítenek tampont, ismerik a gyapjú tartalmát, és kiküszöbölik az olyan anyagok lehetőségeit, mint a szemcseméret vagy apró fadarabok a pamutban, amelyek megkarcolhatják a felületet. Mindegyik tampont a festmény körülbelül ½ hüvelykére használják, és itt a konzervátor tapasztalata veszi át az irányítást.

„A takarításban óriási a tapasztalat” - mondta Ormond. „A konzervátoroknak meg kell érteniük, hogy mennyi lakk van, milyen könnyen oldódik. . . hogyan viselkedik a tampon, kezével értse meg a felületet, amely változik az oldószer felhordása közben, értékelje a tampont a lakk gyors vagy lassú eltávolítása érdekében, még akkor is, ha megállapítja, hogy elakad -e a lakkban. ”

Ormondnak hat hónapba telt, amíg eltávolította az első lakkréteget több ezer tamponnal és nagyítóval, hogy lássa a részleteket. Az apró részletekre összpontosítva gyakran hátrálnia kellett, és meg kellett néznie, mit művel a festmény. Minden érintett tudomány számára, A Ragpicker a festmény nem tudományos objektum.

„Szeretné megkapni azt a képet, amelyet eredetileg a művész festett” - mondta Ormond. “My mentor’s key advice was ‘do not ever forget what it is that you are working on. It’s a painting’. . . Even though you want to get a pristine surface, it’s not worth damaging any original paint to get that.”

The Ragpicker in ultra violet light. © The J. Paul Getty Museum.

It was a challenging process where Ormond worked closely with the Scientists at the Getty Conservation institute to fully understand what had happened to the painting. Along with carefully thinning the old varnish, she also had to work around or repair past conservation techniques that did not have the advantage of current technology.

Today’s modern technology was a literal lifesaver for The Ragpicker. Many paintings have suffered from past conservation attempts. Például a Mona Lisa had a spirits wash in 1809 that is now believed to have removed the top layer of paint, and over time the layers of varnish have given the painting a darker tone. Current conservation is involved around monitoring the painting’s environment to save La Joconde from any more damage.

But once finished, The Ragpicker took on a new life that honours Manet’s painting, his style and his original colours. It required today’s conservation technology and experts like Ormond and the team at the Getty and the Norton Simon to do the work that brings back as much light as possible to Manet’s ragpicker image.

See The Ragpicker at the Norton Simon Museum when it reopens mid-May.


Postponed due to Covid-19, Yoshitomo Nara’s I Forgot Their Names and Often Can’t Remember Their Faces but Remember Their Voices Well will debut at Dallas Contemporary on March 20. A leader of the Superflat movement, Nara traveled to Texas to install a monumental museum show — his first museum solo in the state — at the Design District museum. The exhibit will be on display until August 22.

(For more on the exhibit, see PaperCity‘s exclusive interview with Dallas Contemporary adjunct curator Pedro Alonzo.)

Explore 󈨔s fashion at Galleria Dallas’ newest art exhibit “She’s Got the Look: Fashion from the 󈨔s.” (Courtesy of Galleria Dallas)

'It's not about shock value': Russian artist skins, eats and performs sex acts on dead animals in the name of art

Petr Davydtchenko stands on a balcony overlooking the Umbrian countryside and deftly skins and dismembers a dead cat. He is in Italy for the opening of his solo exhibition Millennium Worm at the Palazzo Lucarini Contemporary in Trevi.

For the past three years, the Russian artist has been living exclusively off roadkill in an attempt to pursue a “semi-autonomous and non-governed way of life”.

Davydtchenko presents his gruesome art practice mainly through video installations. One film shows an owl lying on the side of a road unable to move, another features Davydtchenko picking up a dead rat off the ground and devouring it raw.

Animal hides are also on show in his exhibition, stretched over geometric sculptures or laid out on the floor. Alongside these is a stack of boxes, meant to represent the archive that Davydtchenko keeps at The Foundry in Maubourget, France—an artists’ residence run by the art organisation a/political, and where Dyavydtchenko has been living since 2016.

In his archive Davydtchenko preserves and stores animal parts in freezers, some of which he later thaws and eats. He also keeps a digital archive of the time, condition and GPS locations of his roadside findings, along with texts such as cooking recipes and preparation techniques. These recordings, he says, function as a diary which charts his transformation over the three years since he began living “parallel to modernity”.

"I just wanted to show that it was possible to exist alternatively, and to show that there are other options", Davydtchenko says. His work grew out of an interest in cryptocurrencies, which he saw as an alternative to mainstream economic systems.

Davydtchenko says that he does not live entirely “off-the-grid”, and uses modern technology to document his journey and importantly, relies on the destruction created by modern machinery to produce the roadkill that he feeds on.

Becky Haghpanah-Sherwin, the director of a/political, says the project was not necessarily created with the intention of being shown as an exhibition. "The Foundry", she says, “is a place of experimentation away from the art market that Petr used as a space to transition into a way of life. Nevertheless, it is often visited by people in the art world, who take interest in Petr’s work”.

Davydtchenko says his work is not performance art. “This is how I live, I eat cats where I live, now having been invited to Italy, I eat cats here. This is my way of existing.”

Not all the roadkill Davydtchenko finds is used to sustain his life, however. One six-minute video in the exhibition contains footage of the artist repeatedly inserting his penis into a dead fox’s mouth, in the corner of the frame is the Fox News logo.

The exhibition’s curator Maurizio Coccia says he is not "interested in shock value”, nor is Davydtchenko. The use of each animal has a symbolic meaning, he says, and Davytchenko’s actions in this video “relate to capitalism and media censorship, to the deepest and darkest roots of the human species”.

At the exhibition opening, Davydtchenko offered visitors a taste of a porcupine that he has slow-cooked, and whose hide and quills are displayed in one of the Palazzo Lucarini's rooms. He hopes his next project will be a pop-up restaurant serving roadkill to the public.

The greatest challenge of his practice is not the isolation of this “parallel world”—he prefers existing somewhat separated from society—but readjusting into the “big world” for events like this exhibition opening, Davydtchenko says.

Opening a restaurant will naturally mean inviting crowds of people back into his life, but Petr wants to stay hidden in the kitchen, focusing on his goal of achieving “three Michelin stars for cooking donkey penis”.


Umm, Prince Charles Is an Artist𠅊nd His Paintings Are Surprisingly Impressive

Considering ourselves (somewhat) experts of the royal family, we&rsquod like to believe we know all there is to know about the talents each family member possesses: Meghan Markle and her calligraphy skills, Kate Middleton as an amateur photographer, Queen Elizabeth is an accomplished equestrian. But it turns out that Prince Charles is full of surprises.

Not only does he play the cello, but we just learned that the Prince of Wales is also quite a skilled painter. According to a recent Clarance House Instagram Story, the 71-year-old royal is an &ldquoexperienced watercolorist.&rdquo This news doesn't come as a huge surprise, considering he is Patron of the Arts.

As it turns out, it was Charles's childhood &ldquosurrounded by art&rdquo that sparked his passion for painting. He draws inspiration from natural landscapes across the U.K., as well as from his travels abroad, often painting sceneries of places he has visited. His favorite thing to paint, however, is the surrounding areas of Queen Elizabeth&rsquos Balmoral estate.

Related Videos

In fact, a handful of his pieces have even been put on display in the Drawings Gallery of Windsor Castle since his first exhibition in 1977.

Per Insider, he also made more than $2.5 million from the sales of copies of his watercolors from 1997 to 2016, making him one of the country's best-selling living artists. Of course, all of the profits are donated to The Prince of Wales's Charitable Fund.

To see some of Charles&rsquos most famous paintings (and a shot of the prince in action), visit here.


Nézd meg a videót: Kalász Kornélia festmény kiállítása (December 2021).